Ver en Folio: https://micoru90.folio.uoc.edu/2022/12/11/hapec3-cuando-se-es-artista/

Evolución del concepto de artista.

Mireia Collado Ruiz

Según el momento histórico y cultural, el concepto de artista varía, y por consiguiente, la práctica artística ha ido cambiando a lo largo de la historia a través de las diferentes culturas y regiones. Los artistas y sus praxis han sido más o menos reconocidos dentro de la sociedad de su tiempo dependiendo precisamente de la suma de ésos contextos. De esta forma, podemos pensar que lo que hace a una persona ser artista es que los demás artistas lo reconozcan como tal.(1) Podríamos extender también ese poder de otorgar el don artístico a los críticos, al público o al propio artista. Pero quizá deberíamos reflexionar sobre los artistas paleolíticos, pues probablemente no tenían consciencia de que lo que estaban pintando en las cuevas era arte; o sobre el público religioso del Barroco, que no es el mismo que la generación Z permanentemente conectada de nuestros días; o sobre los críticos, que no existían en la antigua Grecia. Entonces, según nuestro contexto histórico, nuestra cultura, nuestra educación y nuestros sesgos, creeremos que alguien es artista o no lo es, o que algo es arte o no lo es.

En la actualidad, para definir un concepto complejo como es éste, muchas veces lo primero y más fácil es buscarlo en el diccionario de la Real Academia Española, donde está registrado su significado más universal y compartido por todos los hispanohablantes:

artista (2)

1. m. y f. Persona que cultiva alguna de las bellas artes.
2. m. y f. Persona dotada de la capacidad o habilidad necesarias para alguna de las bellas artes.
3. m. y f. Persona que actúa profesionalmente en un espectáculo teatral, cinematográfico, circense, etc., interpretando ante el público.
4. m. y f. artesano (‖ persona que ejercita un oficio mecánico).
5. m. y f. Persona que hace algo con suma perfección.
6. adj. desus. Dicho de un colegial: Que estudiaba el curso de artes.

En la primera definición nos habla de una persona que ejerce las bellas artes y por otro lado, en la segunda definición, de una persona con el don de ejercerlas (aunque no lo esté haciendo). La tercera definición relaciona a la persona con el mundo del espectáculo: teatro, cine, etc. En la quinta, incluso nos habla de una persona, cualquiera, que hace “algo con suma perfección”. Y académicamente hablando, un artista es por supuesto un estudiante de un curso de artes (sexta definición). Pero si nos fijamos en la cuarta, podemos ver que el diccionario relaciona directamente al artista con la definición de artesano:

artesano, na (3)

Del it. artigiano.

1. adj. Perteneciente o relativo a la artesanía.
2. m. y f. Persona que ejercita un arte u oficio meramente mecánico. U. modernamente para referirse a quien hace por su cuenta objetos de uso doméstico imprimiéndoles un sello personal, a diferencia del obrero fabril.

Artesano como adjetivo es algo relativo a la artesanía. Pero en la segunda definición, que es la que nos ocupa, nos habla de una persona que ejerce un “arte u oficio meramente mecánico” y que imprime su sello personal en un objeto cotidiano -haciendo una clara diferencia entre éste y el obrero de una fábrica-, por lo tanto a día de hoy podemos afirmar que, tristemente, la separación entre artista y artesano es un hecho, aunque no quede del todo claro la fina línea que los separa. A modo de reflexión, el diccionario nos relaciona ambos conceptos de una manera unidireccional: al artista con el artesano pero no al artesano con el artista, dejando así claro que algunas veces un artista es un artesano, pero un artesano no puede ser artista directamente. Es todo, cuanto menos, confuso.

Desde nuestra perspectiva, atribuimos nuestra definición de artista al artista del pleistoceno, que como ya hemos comentado, probablemente no sabía que estaba creando “arte”; al artista de Egipto, cuando no hay jeroglíficos para las palabras “arte” o “artista”, las obras eran anónimas y el trabajo era colectivo; al artista de Grecia, donde tenían escasa consideración y prestigio hasta que los emperadores empiezan a hacer encargos a pintores, escultores y acuñadores de monedas; al artista de Roma con sus talleres de copistas, donde el autor de la obra era quién la pagaba y no quien la realizaba; al artista medieval, que empezó a firmar sus obras pero trabajaba por encargo en talleres y gremios; al artista del Renacimiento y del Barroco, a quién le venía determinado el contenido de sus obras para hacer propaganda política o religiosa con ellas; o a los seguidores de la pintura académica, que tenían un orden de jerarquía para los temas y géneros de sus obras.(4) Por eso, es muy importante destacar que para cada época y cultura, hay un concepto diferente de lo que es ser artista.

Larry Shiner nos comenta que es muy común que se proyecte al pasado la imagen moderna del artista como creador autónomo, soberano y original.(5) Por poner un ejemplo concreto, en muchas disciplinas artísticas la condición y la imagen del artista mejoró considerablemente en el Renacimiento, pero la versión del artista como genio atormentado no se adecua a la mayor parte de los artistas de la época, donde la creatividad no era lo más destacable en tanto la facilidad de ejecución y el “talento natural”. Existieron por supuesto artistas que destacaron sobre sus contemporáneos y se ganaron así una condición aún más elevada, siempre teniendo en cuenta las limitaciones que derivan de la función por la que fueron contratados. Y hay que destacar a su vez que en el Renacimiento aún no se separaba al artista del artesano en el sentido en el que los separamos en la actualidad: el artista se debía al contrato con el cliente y en la mayoría de los talleres se seguía esperando a que llegaran encargos. Shiner nos cuenta que “[…] la antigua idea del artesano/artista quedó definitivamente separada en el siglo XVIII, época en que la imaginación, la gracia y la libertad quedaron reservadas al artista creador mientras se dejaba a los artesanos la destreza, el trabajo y la utilidad de las obras.”(6) y así se instauró la moderna idea del genio-artista de hoy en día, donde sus artes elevadas son ahora diferentes a las artes mecánicas y utilitarias del artesano.

Joan Campàs Montaner nos invita a reflexionar sobre el estilo de ese genio-artista, en si existe una evolución o éste se va adaptando al espectador. Si creemos que la pintura debe procurar copiar la realidad, entonces una obra realista será mejor que una obra cubista. Pero si por el contrario, consideramos que los estilos no evolucionan y no hay progreso alguno, sino adaptación, entonces “hay simplemente diferentes maneras de dirigirse a públicos diferentes”,(7) adaptándose a las necesidades sociales y culturales de a quién va dirigida la obra.

Una obra de arte se consigue con la suma de la inspiración y la ejecución de una técnica. Sin inspiración no hay arte, y por lo tanto, no hay artista. En cuanto a la ejecución, Vasari se centra en el artista como lo importante de la obra: su conocimiento, sus aptitudes, su búsqueda de la mejora, su técnica.(8) Es por esto que la mayoría de escritos en historia del arte aluden a que la genialidad del genio es algo innato y que su estilo evoluciona durante su incesante búsqueda de la maestría.

Durante la revolución industrial, en Europa se empezó a dotar al artista de un aura de espiritualidad.(9) Sus prácticas se vinculan con las convicciones religiosas, que requieren de un sacrificio, como los santos en la religión cristiana. Se empieza a considerar al artista como una especie de héroe o profeta, y así su autonomía en escoger el tema de su obra se amplió. Durante ésa época surge la emergencia de crear cultura para distintas clases sociales, por lo tanto cada público desea un arte propio. Se generan imágenes del artista como el bohemio, el dandy, el sufriente o el rebelde, pero todos con el mismo objetivo: el reconocimiento social.

Ésa era la imagen que se tenía de los hombres artistas. Si pensamos en la mujer artista, hay varias creencias que distorsionan esa imagen. En la Edad Media las mujeres podían participar de todas las artes y así siguieron durante el comienzo del Renacimiento, pero durante los siglos XIV y XV había cada vez menos mujeres dedicadas a la ocupación de artista y fueron progresivamente excluidas de los gremios y de las cofradías, destacando a partir de ese momento únicamente unas pocas artistas.(10) En los siglos XVIII y XIX se empezó a preparar a la sociedad para que las mujeres se dedicaran únicamente al entorno doméstico, propagando retóricas como la de que el genio no se podía atribuir a una mujer en ninguno de los casos por ser considerada una cualidad masculina -aunque la sensibilidad femenina sí se atribuyera al hombre artista- y la creatividad de la mujer era considerada una desviación monstruosa.(11)

Es por eso que quiero destacar a Leonor Fini, una pintora argentina multitalentosa y autodidacta: pintó retratos, diseñó vestuario y decorados para obras de teatro, escribió tres novelas e ilustró libros. Nació en Buenos Aires en 1907, aunque creció en Trieste. Nunca se identificó con la corriente surrealista pues además de tener su propia visión, Bretón -el impulsor del surrealismo- la consideró musa del movimiento y ella no aceptó ese rol. No le gustaba tampoco que la consideraran “mujer artista”, por las implicaciones del término en su época. El tema principal de sus obras fue la figura femenina dominante, la tensión sexual, el erotismo, la disolución de los roles de género, la androginia, la muerte, los híbridos persona/animal -tales como las esfinges, que en muchos casos son autorretratos suyos- y los gatos. En sus pinturas, sus mujeres eran activas, decididas y lujuriosas, mientras que los hombres eran el objeto de deseo, a menudo andróginos, suaves y pasivos. Leonor Fini vivió igual que pintaba: con intensidad. Tuvo una relación poliamorosa con dos hombres hasta que ellos murieron. Ella murió en París a la edad de 87 años, desapareciendo del canon de la historia del arte.

Transgresora, rebelde y atrevida, sus obras son cuanto menos impactantes, en especial sus autorretratos, que tienen una fuerza arrebatadora. Veamos dos de ellos:

(12)

En este autorretrato se pintó con una pose osada, mira al espectador con soberbia y altanería. Su ramillete marrón está rasgado, pero su cabello rubio teñido está bien peinado. En su mano izquierda, enfundada en un guante, podemos ver la cola de un escorpión asomándose de forma enigmática. Se dice que es la única vez que aparece un escorpión en su obra. Los colores neutros confieren a la obra un aire antiguo pero poderoso. Hay mucho magnetismo en esta pintura.

(13)

Treinta años después, se autorretrata con un sombrero rojo. Es imposible no pararse a destacar los colores opuestos de la pintura. Los naranjas y rojos del sombrero destacan sobre el azul del fondo, y los verdes y amarillos de su blusa no hacen más que apaciguar al conjunto. Su piel tiene tonos rosados, violáceos, azules, verdes y amarillos. La envuelve un halo de misterio e intriga y es difícil describir su mirada, aunque sin duda podemos decir que tiene intensidad. Es una imagen suya fantasmagórica y etérea, pero muy real.

Podemos ver una autobiografía a través de sus muchos autorretratos: fueron para ella un medio para explorar su propia identidad. Además, algunas frases que se le atribuyen son:(14)

“Quiero que las imágenes salten de la página, quiero pintar los límites del potencial de expresión.

Deseo expresar más allá de lo que se ve.”

“Paintings, like dreams, have a life of their own and I have always painted very much the way I dream”

(“Las pinturas, como los sueños, tienen vida propia y yo siempre he pintado mucho como sueño”)

“I paint pictures which do not exist and which I would like to see.”

(“Pinto cuadros que no existen y que me gustaría ver.”)

“When a painting is finished I can perhaps consciously say that this is this or that is that, but the beginning for me is never an idea. It happens first as a color or a form. If I try to analyze afterwards what I have done, I feel as if I am cheating because I can never be sure. A painting is something like a spectacle, a theater piece in which each figure lives out her part.”

En estas reflexiones podemos encontrar qué es lo que ella quería conseguir cuando pintaba y cómo era su práctica artística. Quería que sus pinturas tuvieran vida propia, para expresar las intensas emociones que sentía a través de ellas, mientras se dedicaba a retratar sus sueños. Pintaba, en realidad, para ella misma. Nos cuenta también que cuando terminaba una obra podía poner definición a lo que acababa de pintar, pero todo empezaba con un color o una forma en lugar de una idea, y después procuraba no darle demasiadas vueltas a la idea de lo que había creado, pues nunca podía estar segura de cómo lo había hecho. Consideraba la pintura como un espectáculo, donde cada figura que pintaba representaba un papel en su obra personal.

Hablando de dibujo y de pintura, para John Berger dibujar es la actividad más profunda y la que más exige al artista, pues se requiere dominar la técnica del dibujo, y recalca que “[…] el pintor, a diferencia del escritor o del arquitecto o del diseñador, no solo crea sino también ejecuta su arte”(15) y de esta forma, la prueba de que existe un mundo material sale de la mente del artista a través del lápiz con el que dibuja. Según él, el dibujo de un objeto muestra un objeto que está siendo contemplado, y contiene la experiencia de haber mirado durante horas ese objeto: una multitud de momentos que pueden, a su vez, ser contemplados en un segundo.(16) Berger es consciente de que cada artista imprime en el dibujo su propia manera de ver y de sentir el mundo.

En la cultura japonesa por contra, a los artistas Zen que dominan plenamente la técnica del dibujo, se les llama maestros.(17) En su largo y penoso camino, los pintores Zenga se convierten en maestros con la repetición constante de la misma técnica, hasta que dibujar se vuelve algo automático e instintivo. Al contrario que en Occidente, el aspirante a artista no se basa en la naturaleza, sino que el modelo es el dibujo de su maestro. Se enseña una forma de pensar, sentir y actuar a través de la imitación de la obra del maestro, el estilo personal del alumno no importa, más bien estorba, pues se considera que la ejecución de la técnica no es innata, sino que se consigue con tiempo, paciencia y perseverancia. Una vez se consigue dominar totalmente la técnica, se puede dejar libertad a la inspiración e incorporar el toque personal del artista.

Podemos concluir que la mayoría de definiciones de artista comparten similitudes y acaban desembocando en que el arte lo crea el artista a través de la observación, la imitación y la imaginación; de su técnica y de su estilo, plasmando sus sentimientos y sus experiencias en su creación, dejando así una obra que el espectador juzgará más tarde, aunque ésto sea independiente de lo que el artista haya querido expresar. Entonces, en cierta manera, al final el arte es algo particular de cada artista, individual y único. Unas veces un artista es reconocido por el público y otras olvidado para siempre -o hasta que “lo redescubren”-, pero desde luego su definición no es algo universal y compartida entre todas las culturas ni entre tiempos históricos.

Para mí (con mi cultura, educación y sesgos) el arte engloba muchas disciplinas. Comparto la definición griega de Platón techné(18), pues en mi opinión el arte es cualquier cosa que pueda hacer el ser humano: tanto rellenar un lienzo o papel en blanco como subirse a un escenario, darle forma a un material, pensar la estructura y el diseño que tendrá un edificio, crear una prenda de ropa, captar un instante con una cámara, hacer vibrar las cuerdas vocales, mover el cuerpo al ritmo de la música, tocar un instrumento, contar una historia, escribir un libro… y así infinidad de ejemplos más. Crear arte es algo íntimo y personal, es la forma que la persona tiene de canalizar y reparar lo que está sintiendo en ese preciso momento, es la manera de expresarse en el mundo, y eso es precisamente lo que convierte a alguien en artista, le paguen o no por ello, sea buena en lo que hace o tenga aún mucho por aprender. No se nace artista. El arte es un camino, ser artista es ser consciente de que se está recorriendo ese camino.

Referencias:

• (1) Cᴀᴍᴘàs Mᴏɴᴛᴀɴᴇʀ, Joan. El artista a lo largo de la historia [en línea]. Barcelona: UOC, s. d. [consulta: 27 de noviembre de 2022]. Disponible en: https://materials.campus.uoc.edu/daisy/Materials/PID_00248783/pdf/PID_00248783.pdf, 5-7
• (2) artista | Definición | Diccionario de la lengua española | RAE – ASALE [en línea] [consulta: 28 de octubre de 2022]. Disponible en: https://dle.rae.es/artista
• (3) artesano, artesana | Definición | Diccionario de la lengua española | RAE – ASALE [en línea] [consulta: 28 de octubre de 2022]. Disponible en: https://dle.rae.es/artesano
• (4) Cᴀᴍᴘàs Mᴏɴᴛᴀɴᴇʀ, Joan. El artista a lo largo de la historia. 9-184.
• (5) Sʜɪɴᴇʀ, Larry. El cambio en la condición de los artesanos/artistas. En: La invención del arte: una historia cultural. Barcelona: Paidós, 2014. 71-80. ISBN 9788449329920.
• (6) Ibid.
• (7) UOC – OPEN UNIVERSITY OF CATALONIA. Història de l’art – Bloc 5 – La intenció de l’artista [vídeo en línea]. 2017 [consulta: 21 de noviembre de 2022]. Disponible en: https://www.youtube.com/watch?v=VqZ7nyp7d3o
• (8) Ibid.
• (9) Sʜɪɴᴇʀ, Larry. La imagen exaltada del artista. En: La invención del arte: una historia cultural. 271-282.
• (10) Sʜɪɴᴇʀ, Larry. El cambio en la condición de los artesanos/artistas. En: La invención del arte: una historia cultural. 78-80.
• (11) Sʜɪɴᴇʀ, Larry. La imagen exaltada del artista. En: La invención del arte: una historia cultural. 275.
• (12) Self Portrait with Scorpion, 1938 – Leonor Fini – WikiArt.org [en línea] [consulta: 30 de octubre de 2022]. Disponible en: https://www.wikiart.org/en/leonor-fini/self-portrait-with-scorpion-1938
• (13) Autoritratto, 1968 – Leonor Fini – WikiArt.org [en línea] [consulta: 30 de octubre de 2022]. Disponible en: https://www.wikiart.org/en/leonor-fini/autoritratto-1968
• (14) The Sphinx’s Riddle: The Art of Leonor Fini by Weinstein Gallery, … – Issuu [en línea] [consulta: 30 de noviembre de 2022]. Disponible en: https://issuu.com/weinstein_gallery/docs/the_sphinxs_riddle_the_art_of_leonor_fini, Leonor Fini – Camila Calzetta by camilacalzetta2022 – Issuu [en línea] [consulta: 30 de noviembre de 2022]. Disponible en: https://issuu.com/camilacalzetta2022/docs/leonorfini.camilacalzetta.libro, Delirio by Jean Paul – Issuu [en línea] [consulta: 30 de noviembre de 2022]. Disponible en: https://issuu.com/jeanpaul969/docs/delirio
• (15) Bᴇʀɢᴇʀ, John. Del diario de Janos Lavin. En: Sobre el dibujo. Barcelona: Gustavo Gili, 2011. 87-89. ISBN 9788425224652.
• (16) Bᴇʀɢᴇʀ, John. Dibujado para ese momento. En: Sobre el dibujo. 50-59.
• (17) Tʜᴏᴍᴀs, Raymond. La perfección técnica. En: Sabi-wabi-zen. El zen y las artes japonesas. Barcelona: Edicomunicación, 1986. 55-60. ISBN 8476720084., Tʜᴏᴍᴀs, Raymond. La espontaneidad. En: Sabi-wabi-zen. El zen y las artes japonesas. 61-68.
• (18) Cᴀᴍᴘàs Mᴏɴᴛᴀɴᴇʀ, Joan. La construcción del conocimiento en historia del arte [en línea]. Barcelona: UOC, s. d. [consulta: 29 de noviembre de 2022]. Disponible en: http://cvapp.uoc.edu/autors/MostraPDFMaterialAction.do?id=236447, 5-6

 

Bibliografía

Bᴇʀɢᴇʀ, John. Sobre el dibujo. Barcelona: Gustavo Gili, 2011. ISBN 9788425224652.

Cᴀᴍᴘàs Mᴏɴᴛᴀɴᴇʀ, Joan. El artista a lo largo de la historia [en línea]. Barcelona: UOC, s. d. [consulta: 27 de noviembre de 2022]. Disponible en: https://materials.campus.uoc.edu/daisy/Materials/PID_00248783/pdf/PID_00248783.pdf

Cᴀᴍᴘàs Mᴏɴᴛᴀɴᴇʀ, Joan. La construcción del conocimiento en historia del arte [en línea]. Barcelona: UOC, s. d. [consulta: 10 de octubre de 2022]. Disponible en: http://cvapp.uoc.edu/autors/MostraPDFMaterialAction.do?id=236447

Sʜɪɴᴇʀ, Larry. La invención del arte: una historia cultural. Barcelona: Paidós, 2014. ISBN 9788449329920.

Tʜᴏᴍᴀs, Raymond. Sabi-wabi-zen. El zen y las artes japonesas. Barcelona: Edicomunicación, 1986. ISBN 8476720084.

UOC – OPEN UNIVERSITY OF CATALONIA. Història de l’art – Bloc 5 – La intenció de l’artista [vídeo en línea]. 2017 [consulta: 21 de noviembre de 2022]. Disponible en: https://www.youtube.com/watch?v=VqZ7nyp7d3o

 

Webgrafía

artesano, artesana | Definición | Diccionario de la lengua española | RAE – ASALE [en línea] [consulta: 28 de octubre de 2022]. Disponible en: https://dle.rae.es/artesano

artista | Definición | Diccionario de la lengua española | RAE – ASALE [en línea] [consulta: 28 de octubre de 2022]. Disponible en: https://dle.rae.es/artista

Autoportrait au scorpion | Impressionist & Modern Art Evening Sale [en línea] [consulta: 30 de noviembre de 2022]. Disponible en: https://www.sothebys.com/en/buy/auction/2021/impressionist-modern-art-evening-sale/autoportrait-au-scorpion

Autoritratto, 1968 – Leonor Fini – WikiArt.org [en línea] [consulta: 30 de octubre de 2022]. Disponible en: https://www.wikiart.org/en/leonor-fini/autoritratto-1968

Delirio by Jean Paul – Issuu [en línea] [consulta: 30 de noviembre de 2022]. Disponible en: https://issuu.com/jeanpaul969/docs/delirio

Leonor Fini . Gender and Sexuality in Scorpio Season by maria eleonora ledesma – Issuu [en línea] [consulta: 30 de noviembre de 2022]. Disponible en: https://issuu.com/mri.ele/docs/leonor_fini_gender_and_sexuality_in_scorpio_scaso

leonor fini [en línea] [consulta: 30 de noviembre de 2022]. Disponible en: http://www.leonor-fini.com/fr/

Leonor Fini – 18 artworks – painting [en línea] [consulta: 30 de noviembre de 2022]. Disponible en: https://www.wikiart.org/en/leonor-fini

Leonor Fini at CFM Gallery [en línea] [consulta: 30 de noviembre de 2022]. Disponible en: http://www.cfmgallery.com/Leonor-Fini/leonor-fini.html

Leonor Fini – Camila Calzetta by camilacalzetta2022 – Issuu [en línea] [consulta: 30 de noviembre de 2022]. Disponible en: https://issuu.com/camilacalzetta2022/docs/leonorfini.camilacalzetta.libro

Leonor Fini – Wikipedia [en línea] [consulta: 30 de noviembre de 2022]. Disponible en: https://en.wikipedia.org/wiki/Leonor_Fini

Self Portrait with Scorpion, 1938 – Leonor Fini – WikiArt.org [en línea] [consulta: 30 de octubre de 2022]. Disponible en: https://www.wikiart.org/en/leonor-fini/self-portrait-with-scorpion-1938

The Sphinx’s Riddle: The Art of Leonor Fini by Weinstein Gallery, … – Issuu [en línea] [consulta: 30 de noviembre de 2022]. Disponible en: https://issuu.com/weinstein_gallery/docs/the_sphinxs_riddle_the_art_of_leonor_fini